campusaraujo
- 4 de dez. de 2023
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Aristóteles - Poética, Mimese e Catarse

Atualizado: 4 de ago.

Vimos na postagem sobre o Classicismo que uma das suas características é a volta aos clássicos das culturas grega e romanas. Antes de passarmos para os autores desse período, vamos destacar os mais importantes autores clássicos grecos romanos, começando por Aristóteles.

Filósofo e precursor da ciência moderna, Aristóteles foi uma das maiores figuras intelectuais da história ocidental. Ele sistematizou o conhecimento da Filosofia Antiga, classificando as opiniões existentes e refletindo sobre elas. Sem conhecer sua obra, não é possível entender a filosofia ocidental. Mesmo após as revoluções intelectuais do Renascimento, da Reforma e do Iluminismo, os conceitos aristotélicos permaneceram incorporados ao pensamento ocidental. Infelizmente, dos mais de 200 tratados escritos por Aristóteles, restaram apenas 31.

Aristóteles foi o autor de um sistema filosófico e científico que se tornou a estrutura e o veículo tanto da Escolástica cristã quanto da filosofia islâmica medieval. Discípulo de Platão e mestre do conquistador macedônico Alexandre, o Grande, fundou uma escola de filosofia chamada Liceu. No comando de algumas das cabeças mais competentes da Grécia, ele formaria em seu Liceu o primeiro centro de pesquisa científica aplicada, antecipando o aparato de produção de dados das academias contemporâneas.

O alcance intelectual de Aristóteles é vasto e cobre a maioria das ciências e muitas das artes, incluindo biologia, botânica, química, ética, história, lógica, metafísica, retórica, filosofia da mente, filosofia da ciência, física, poética, teoria política e zoologia. Aristóteles foi o fundador da lógica formal (a ciência das leis do pensamento e a arte de aplicá-los corretamente na procura e demonstração da verdade.), concebendo para ela um sistema acabado que durante séculos foi considerado a somatória da disciplina. Pioneiro no estudo da zoologia, alguns de seus trabalhos permaneceram insuperáveis até o século XIX. Seu Corpus enciclopédico definiu a epistemologia que está na base dos currículos de ensino superior ao redor do mundo.

Epistemologia é o ramo da filosofia que se ocupa do conhecimento científico; é o estudo crítico dos princípios, das hipóteses e dos resultados das diversas ciências, com a finalidade de determinar seus fundamentos lógicos, seu valor e sua importância objetiva.)

***Poética*, um Manual de Composição Dramática**

Em sua obra Poética, Aristóteles procura abordar os diferentes tipos de poesia, a estrutura e a divisão de um poema em suas partes componentes. A poesia é definida por Aristóteles como um meio de imitação (mimese) que procura representar ou duplicar a vida por meio do caráter, emoção ou ação. A obra apresenta uma análise criteriosa não só dos elementos que compõem a poesia, mas das qualidades que brilham na boa poesia.

Após um período de hibernação milenar, a obra renasceria incompleta ao olhar dos humanistas modernos. Popularizada como um manual de composição dramática, se revelou crucial para a formação da ópera italiana e do teatro barroco e neoclássico, suscitando mais de uma polêmica literária. Ainda hoje, muitos roteiristas de Hollywood recorrem às lições da Poética para aprimorar a sua arte.

A Tragédia, o Épico, a Comédia e a Poesia

Também conhecida como Sobre a Poética é um dos livros de teoria literária mais importantes de todos os tempos, uma reflexão sobre a estética de dois dos gêneros literários mais populares daquele momento: a tragédia grega e a epopeia.

Os críticos literários consideram que a obra inicial foi dividida em duas partes. A primeira sobre a tragédia e o épico e a segunda a respeito da comédia e da poesia. A segunda parte, no entanto, foi perdida.

Aristóteles criou uma espécie de manual sobre a tragédia indicando suas características e a definição do gênero. Nelas, também encontramos a comparação do gênero com outras artes e reflexões sobre mimese na criação de objetos artísticos. O principal objetivo de Aristóteles foi ensinar e mostrar o guia que deve ser seguido para escrever um bom texto literário.

A Poética deve ser compreendida como uma discussão sobre o modo de composição do poema. A obra procura abordar os diferentes tipos de poesia, a estrutura de um bom poema e a divisão em suas partes componentes.

Mimese e Arte para Aristóteles

A mimese é usada por meio da linguagem, do ritmo e da harmonia. No caso da dança, por exemplo, o ritmo utilizado tem o objetivo de imitar paixões, sentimentos, personalidades, etc. Para Aristóteles, a literatura é a arte que imita a realidade por meio da linguagem.

Em todas as fases de sua evolução, a mimese tem sido uma variável mais complexa e um conceito mais profundo do que sua tradução convencional de “imitação” pode transmitir. Esse conceito não é de forma alguma uma concepção estática de representação artística. A mimese gerou muitos modelos diferentes da arte, abrangendo um espectro de posições, do realismo ao idealismo.

Sob a influência dos modelos platônicos e aristotélicos, a mimese tem sido um ponto crucial de debate entre os defensores da teoria da representação refletindo e simulando o mundo nas artes visuais, musicais e poéticas.

Aristóteles nunca faz uma análise explícita do termo "imitação". Platão criou o termo porque acreditava que a arte era a cópia da cópia, duas vezes removida da verdade. A concepção de imitação de Aristóteles é um corretivo para Platão. A arte imita o mundo da mente do homem, mas não é mera imitação. É uma recriação. A poesia é algo mais filosófico e de importância mais relevante do que a história, pois suas afirmações são da natureza e não universais, enquanto as da história são singulares.

Catarse, um dos Conceitos Fundamentais na Poética

Na religião, medicina e filosofia da Antiguidade grega a palavra catarse significa libertação, expulsão ou purgação do que é estranho à essência ou à natureza de um ser e que, por isso, o corrompe. No estrito sentido religioso, catarse é o estado de purgação espiritual que o indivíduo almeja, por exemplo, por meio da confissão. As emoções manifestadas pelos participantes de um ritual religioso são também demonstrações de catarse ou de purificação da alma.

Na estética e no teatro, catarse significa purificação do espírito do espectador por meio da remissão de suas paixões, especialmente dos sentimentos de terror ou de piedade vivenciados na contemplação do espetáculo trágico.

O conceito de catarse para Aristóteles representava a purificação das almas. Ela ocorria por meio de uma grande descarga de sentimentos e emoções, provocada pela visualização de obras teatrais. Por exemplo, embora o reconhecimento de Édipo seja trágico, ele ainda o redime, pois, o personagem não está mais vivendo na ignorância de sua tragédia porque aceitou o destino.

A redenção não é o único resultado da catarse; o público também passa por ela em um bom drama. A catarse do herói induz piedade e medo dos que estão na plateia, piedade pelo herói e medo de que o destino do herói possa acontecer com os próprios espectadores.

As três Unidades Aristotélicas

Uma das maiores influências na Poética de Aristóteles foi a doutrina das três unidades que foi promovida por Agnolo Segni e V. Maggi:

Unidade de tempo: todo o trabalho deveria ocorrer no mesmo dia, em no máximo 12 horas.
Unidade de ação: poderia haver apenas uma ação na trama ou, no máximo, duas, mas elas estavam fortemente relacionadas.
Unidade de espaço: o espaço em que o trabalho foi desenvolvido também teve que ser reduzido para um ou dois.

A regra das três unidades ainda é uma interpretação da Poética, mas foi muito importante para a história do teatro ocidental. De fato, manteve-se durante muitos anos e na Espanha foi Lope de Vega com a sua Nova Arte de fazer comédia que rompeu com essa tradição.

A influência da Poética perdurou até meados do século XVIII, ou seja, até a chegada do movimento romântico, pois os poetas do romantismo defendiam que o ato poético não era algo criativo, mas sim um ato subjetivo e profundo, portanto, descartaram a tese sobre a mimese da arte.

Definição da Própria Poesia

A poesia é uma “expressão de sentimentos”, enquanto a prosa “conta uma história”. Essa resposta reflete, de certa forma, a ideia que o público geral tem do propósito da poesia: exprimir sentimentos, criar imagens, sugerir afetos. Enquanto romances, contos e novelas narram histórias com início, meio e fim.

A poesia é um meio de imitação que procura representar ou duplicar a vida por meio do caráter, da emoção ou da ação. Aristóteles define a poesia de maneira muito ampla, incluindo poesia épica, tragédia, comédia, poesia ditirâmbica e até alguns tipos de músicas. Ditirâmbico diz respeito ao ditirambo que consistia numa ode entusiástica e exuberante dirigida ao deus, dançada e representada por um Coro de 50 homens vestidos de Sátiro.

Na mitologia grega, os Sátiros eram divindades menores da natureza com o aspecto de homens devassos e luxuriosos, com cauda e orelhas de asno ou cabrito, pequenos chifres na testa, narizes achatados, lábios grossos e barbas longas. Os Sátiros tocavam tambores, liras e flautas e iam cantando à medida que dançavam em volta de uma esfinge de Dionísio. Há quem diga que usavam falos postiços.

Na tradição literária, a distinção essencial entre prosa e poesia deve-se não tanto ao conteúdo quanto à forma, e sobretudo ao metro (do grego metron, “medida”), uma estrutura rítmica definida sobre a qual se constrói o verso, ou seja, a linha poética.

O metro era o critério essencial na criação poética até o século XIX, com a emergência da prosa poética e seguida pela aparição do verso livre, cujo ritmo é despojado de qualquer coerção métrica.

Poesia, Poema e Prosa

Aristóteles dedica todo o capítulo 4 para descobrir a origem da poesia e seu desenvolvimento. Segundo ele, a poesia surge porque o homem tende a imitar a realidade e, também, pela existência de ritmo e harmonia. Esses dois fatores naturais são o que faz surgir a poesia ou a arte da imitação por meio do uso da linguagem.

Nesse sentido, Aristóteles justifica sua teoria ao indicar que os homens nobres (nobreza entendida como parte do caráter de uma pessoa, não por sua condição social) imitam as ações nobres. Já os homens mais vulgares imitam as ações dos homens mais grosseiros. Essa diferenciação de tipos de pessoas também leva à criação de dois gêneros literários: os versos heroicos e trágicos foram cultivados pelos nobres e os versos de comédia ou iambique foram criados pelos homens vulgares.

A Natureza da Poesia

Platão, notório por sua aparente antipatia por poetas, refere-se ao metro como uma vestimenta ou armadura que cobre as “palavras nuas” (logoi psiloi), ou seja, a prosa. Na sua Poética, Aristóteles reconhece o metro como o denominador comum dos diversos gêneros de poesia (Aristóteles, Poética 1447b 14-20).

Colando o verbo poiein ao nome do metro, eles chamam uns de “poetas elegíacos”, outros de “poetas épicos”, não pela representação (mimese), mas de acordo com o metro que usam. De fato, costumam-se chamar assim também aqueles que tratam, usando o metro, de medicina ou da natureza. Porém, não há nada em comum entre Homero e Empédocles além do metro, por isso, é mais justo chamar o segundo de especialista da natureza do que de poeta.

Como ilustra essa passagem, o uso do metro na Grécia Antiga era muito mais amplo do que a ideia moderna de poesia. Em seus primeiros séculos, toda a literatura grega era poética; até tratados científicos e filosóficos, como o Da natureza, de Empédocles de Acragas, eram escritos em versos.

Aristóteles foi o primeiro a questionar a identificação convencional texto em metro e poesia, situando no centro de sua definição de poesia a noção de mimese, traduzida ora por “representação” ora por “imitação”. Empédocles escreve versos com um propósito científico (ou didático), não mimético: nada, em sua obra, imita ou representa a ação humana. Portanto, ele não deveria ser considerado poeta, mas sim um “escritor científico”. A essência do poético, segundo Aristóteles, reside no seu caráter mimético. Só o metro, não basta à poesia.

A Poesia e sua Estrutura Rítmica

A distinção essencial entre prosa e poesia deve-se não tanto ao conteúdo quanto à forma, e sobretudo ao metro: uma estrutura rítmica definida sobre a qual se constrói o verso, ou seja, a linha poética.

A representação nos é natural, assim como a melodia e o ritmo (o metro é parte do ritmo). Desde o início, aqueles mais naturalmente inclinados a tais coisas desenvolveram, pouco a pouco, a poesia a partir da improvisação.

Tem-se aqui um ponto central da estética aristotélica, que, em momento algum, reivindica-se como arte pela arte. A mimese, inerente à natureza humana, não provoca somente prazer ao homem, ela é um modo de aprendizado. A poesia, enquanto expressão mimética, mantém essa função e reveste-se assim de uma importância moral.

Atualmente, as definições de Aristóteles podem parecer ultrapassadas quando a arte já não tem sempre um dever mimético e se considera, desde Nietzsche, independente da moralidade. Mas, na época onde a história se escreve em tweets, onde jornalistas viraram ideólogos e youtubers, é reconfortante lembrar do velho filósofo e saber que, pelo menos na poesia, há verdades que permanecem inalteradas.

A verdade de Édipo Rei não é aquela de um antigo rei de Tebas (que provavelmente nunca existiu) que matou o pai e casou-se com a mãe. O que o espectador (ou leitor) aprende ao ver representadas ações dos personagens e suas consequências, é a verdade sobre a arrogância humana, sobre os perigos do poder, sobre a inexorabilidade do destino.

Diferenças Entre Poesia e História

No tempo de Aristóteles, os textos eram sempre escritos em verso. Os textos científicos também foram construídos por meio do verso. Isso significava que, inicialmente, qualquer um que escrevesse em versos era considerado um poeta. Mas Aristóteles, em sua Poética, fez a distinção entre os artistas que escreviam literatura em verso e os especialistas que se encarregavam de escrever textos científicos em versos. Escrever literatura não é o mesmo que escrever ciência ou história e, por isso, Aristóteles criou a divisão entre as duas modalidades.

O dever do poeta, dizia Aristóteles, não é contar o que aconteceu na realidade, mas o que poderia acontecer, por necessidade ou probabilidade. O historiador relata fatos e eventos, muitos dos quais são frutos do acaso ou não se podem explicar. Cabe ao poeta expressar, na sua representação desses fatos e dos homens que participam deles, aquilo que, nas circunstâncias e na ação de um homem, é útil a todos os homens (Poética, 1451a 38 – 1451b 10). É por isso que a poesia também é mais filosófica e elevada que a história, já que a poesia diz antes o geral e a história, o particular.

O Mito que Gerou a Tragédia Grega

A tragédia grega nasceu do culto de Dionísio. Existem muitas lendas sobre o nascimento de Dionísio. A principal é que ele nasceu em Tebas e era filho de Zeus com uma mortal chamada Sêmele, filha de Kadmos (rei de Tebas). Heras, esposa de Zeus, era muito ciumenta por causa do caso entre seu marido e Sêmele. Ela convenceu Sêmele a implorar a Zeus que aparecesse à sua frente com todo o seu poder. Zeus, disposto a agradar a amante, apareceu na frente dela acompanhado por trovões e relâmpagos. Com isso, provocou um incêndio na casa de Sêmele e causou a morte da amante. Zeus recolheu do ventre de Sêmele o fruto inacabado de seu amor e colocou-o em sua coxa até que a gestação se completasse.

Quando a criança nasceu, Zeus confiou-a às Ninfas e aos Sátiros do monte Nisa. E numa gruta, cercada de densa vegetação, vivia feliz o filho de Sêmele com Zeus. Certa vez, Dionísio colheu cachos de uvas, espremeu as frutas em taças de ouro e bebeu com as Ninfas e os Sátiros, que, embriagados juntamente com Dionísio, dançavam do delírio báquico (do deus Baco) e caíram por terra desfalecidos.

Os devotos de Dionísio, após a dança vertiginosa, acreditavam sair de si pelo processo do êxtase. Esse sair de si, superar a condição humana, exigia um mergulho em Dionísio, pelo processo do entusiasmo.

O homem simples e mortal (antropos), em êxtase e entusiasmo, comungando com a imortalidade, tornava-se herói, um varão que ultrapassou o metro, ou seja, transpôs a linha invisível que separa o humano do divino.

A Tragédia, a Comédia e a Poesia Épica

A forma de poesia à qual é dedicada mais atenção na Poética é a tragédia. A tragédia, segundo Aristóteles, veio dos esforços dos poetas para apresentar os homens de maneira “mais nobre” ou “melhor” do que na vida real. A comédia, por outro lado, mostra um “tipo inferior” de pessoa e revela que os humanos são piores que a média. A poesia épica, por outro lado, imita homens nobres como a tragédia, mas só tem um tipo de mediador – ao contrário da tragédia, que pode ter vários – e é narrativa.

Existem algumas diferenças entre a tragédia e o épico. Um poema épico não usa música ou espetáculo para alcançar seu efeito catártico. Os épicos geralmente podem ser apresentados em uma sessão, enquanto as tragédias costumam usar outras formas de mediadores para alcançar os ritmos da fala de diferentes personagens.

A Comédia na Poética

A comédia foi o gênero amplamente tratado na segunda parte da Poética. No entanto, acredita-se que o texto tenha se perdido durante a Idade Média e, até hoje, desconhecemos sua existência. O livro O Nome da Rosa, de Umberto Eco fala sobre a perda desse importante texto. No entanto, embora não tenhamos o texto, é verdade que durante a primeira parte há alguns indícios do que Aristóteles considerava sobre esse gênero. Ele o define como uma imitação dos personagens mais ridículos do ser humano, ou seja, algo como uma imitação do pior que define nossa espécie.

Tragédia, a Imitação de Realidades Dolorosas

A tragédia, segundo Aristóteles, é uma imitação de uma ação séria e completa, dotada de extensão, em linguagem condimentada para cada uma das partes (imitação que se efetua) por meio de atores e que opera, graças ao terror e à piedade, a purificação de tais emoções. Para Aristóteles, a tragédia é a imitação de realidades dolorosas, e sua matéria-prima é o mito, em sua forma bruta. É oportuno dizer que a teoria ocidental do drama ainda mantém fortes laços com as suas reflexões sobre a Poética e ainda continuam oportunas e válidas.

O épico e a Tragédia

Na época de Aristóteles ainda não existia o conceito de literatura, ou seja, a arte que se criava por meio da linguagem chamava-se poesia. Segundo aristóteles, havia duas formas de realizar essa mimese:

Poesia Épica - por meio da narração dos fatos em primeira pessoa (como ocorre na Ilíada ou na Odisseia de Homero).

Tragédia - pela exposição de sentimentos e emoções do ser humano.

É importante destacar o que diferencia os dois gêneros. Tanto sua extensão, quanto o tipo de métrica utilizada, bem como o caráter narrativo da obra são diferentes independentemente do gênero em que estamos. Para Aristótles, a tragédia é a imitação elevada, ou seja, idealizada, de uma ação e possui seis partes que a caracterizam:

1. A fábula

2. Os personagens

3. A dicção

4. O pensamento

5. O espetáculo

6. A melodia

Uma peça trágica não é responsável por imitar a realidade externa, mas se concentra em imitar ações realizadas por seres humanos, bem como emoções. No último capítulo da Poética o autor lança um debate sobre se a tragédia é superior ao épico ou vice-versa. Ele acaba defendendo que a tragédia é superior porque tem todos os elementos do épico e, além disso, tem efeitos cênicos e música que reforçam sua mensagem.

Seis Elementos da Tragédia

Enredo - é “a alma” da tragédia, porque a ação é fundamental para o significado de um drama, e todos os outros elementos são subsidiários. É necessário ter começo, meio e um fim. Também deve ser universal em significado, ter uma estrutura determinada e manter uma unidade de tema e propósito.

Em outras palavras, para se criar uma boa tragédia, é preciso que se mantenha a unidade da trama. E isso significa uma sequência bem organizada de eventos necessários ou prováveis. O começo não deve seguir os eventos anteriores, e o fim deve amarrar todas as pontas soltas e não produzir as consequências necessárias ou prováveis.

Pensamento - significa o que um personagem diz em uma determinada circunstância, seguido por dicção musical própria para o espetáculo.

Trama - é a alma da tragédia, e o personagem vem em segundo plano. Os elementos da trama incluem:

Completude - refere-se à necessidade de uma tragédia ter começo, meio e fim. Um começo é definido como uma origem pela qual algo naturalmente acontece.

Magnitude - refere-se simplesmente ao comprimento (duração) – a tragédia deve ter um comprimento que possa ser facilmente abraçado pela memória.

Unidade - refere-se à centralização de toda a ação da trama em torno de um tema ou ideia comum.

Estrutura determinada - refere-se ao enredo e à sequência de eventos causais e imitativos.

Universalidade - refere-se à necessidade de um personagem agir de acordo com a forma como os seres humanos agiriam ou reagiriam em determinada situação.

O herói trágico não é um homem eminentemente bom nem ruim. Ele deve ser um modelo de virtude que é derrubado pela adversidade, cuja origem está na sua própria “fragilidade” ou falha, que está evidente desde o início de uma peça, que o público deve ser capaz de identificar. A desgraça é provocada por um erro de julgamento. Édipo é o seu exemplo de herói que sofre essa reversão e, portanto, tem um autorreconhecimento catártico.

Reviravolta - é a modificação que determina a inversão das ações, e esta deve se dar, retomando a nossa fórmula, segundo o verossímil ou necessário como ocorre em Édipo: o mensageiro chega pensando que vai reconfortar Édipo e libertá-lo do pavor que sente em face de sua mãe, mas à medida que revela quem de fato era Édipo, produz, justamente, o inverso...”

Realização da Tragédia

Podemos dizer que a tragédia só se realiza quando o metro é ultrapassado. É o momento em que o ator se transforma em outro. Um exemplo disso eram as Mênades, sacerdotisas do deus, as Bacantes, as Possessas, também chamadas de “furiosas” ou “impetuosas”, que chegavam ao delírio possuídas pelo deus Dionísio.

Os personagens que sofriam de húbris, que é um tema comum na mitologia e nas tragédias gregas, sofriam as consequências da sua transgressão, eram castigados pelos deuses. A húbris ou hybris é um conceito grego que pode ser traduzido como "tudo que passa da medida; descomedimento" e que atualmente alude a uma confiança excessiva, um orgulho exagerado, presunção, arrogância ou insolência (originalmente contra os deuses), que com frequência termina sendo punida.

A tragédia ocorre com a ultrapassagem do metro pelo homem, e isso origina a nêmese, o ciúme divino, provocando a cegueira da razão do herói. Será subjugado sem apelo pela moira, ou seja, pela loucura.

Dois Momentos Importantes na Tragédia

Em primeiro lugar, a ação crescente, que leva ao clímax, é conhecida como complicação. Em segundo lugar, vem o desenlace ou o desenrolar que segue o clímax. Esse movimento duplo segue a teoria da unidade poética.

A complicação leva à revelação da unidade no cerne da obra. Após essa revelação, tudo se encaminha para o desenlace, em que o significado e as ramificações da unidade são explorados e resolvidos.

Epopeia - Ação Única e Completa com Começo, Meio e Fim

Uma epopeia deve lidar com um único evento. A ação deve ser única, completa, ou seja, com começo, meio e fim. Como a tragédia, a epopeia também pode ser dividida em dois grupos: o simples e o complexo. O épico simples se volta para o caráter moral do herói, enquanto o épico complexo se volta para o sofrimento e a paixão.

O hexâmetro heroico (é uma forma de medida poética literária consistindo de seis pés métricos por verso, em que os quatro primeiros pés podem ser dátilos ou espondeus; e onde o quinto pé será dátilo, e o sexto, espondeu − como na Ilíada) é o medidor certo para um épico. Um poeta épico deve falar o mínimo possível em sua própria pessoa. Em uma epopeia, o elemento do maravilhoso deve ser introduzido. As possibilidades prováveis devem ser preferidas às possibilidades improváveis.

Aristóteles discute os méritos relativos da Epopeia e da Tragédia. A Epopeia é livre da vulgaridade e do agir; enquanto na tragédia, a vulgaridade é culpa dos atores. Aristóteles insiste que a tragédia é a melhor forma de arte, pois tem todos os elementos da epopeia. Além disso, também possui música e espetáculo. Seu efeito é mais compacto e concentrado, e também tem mais unidade que o poema épico. Por isso ele conclui que a tragédia é a melhor forma de arte.

Após uma digressão sobre a nomenclatura de alguns gêneros literários, Aristóteles conclui:

Há também artes que usam todos os meios aqui relatados, ritmo, melodia e metro, como a poesia ditirâmbica, a poesia nômica, a tragédia e a comédia. (Poética, 1447b 24-27).

Infelizmente, Aristóteles não trata de todos os tipos de literatura e de sua relação com a mimese (a maior parte do primeiro livro da Poética é de fato dedicada somente à tragédia). Aplicando o raciocínio aristotélico à terminologia moderna, chegar-se-ia às seguintes definições:

Poesia é a arte que usa, como meios de realizar a mimese, linguagem e ritmo.

Alguns gêneros poéticos usam tão somente linguagem e ritmo (como a épica), outros, linguagem, ritmo e melodia (como os gêneros de poesia cantada).

Prosa Literária ou Ficção

A arte que realiza a mimese pelo uso da linguagem pura, sem ritmo, é o que hoje chamaríamos de prosa literária ou ficção e englobaria o romance, o conto, a novela, etc. A não ficção, ou seja, a prosa científica, filosófica, ensaística, faz uso da linguagem pura, mas não realiza mimese. Os antigos tratados filosóficos em verso, como o de Empédocles, preenchem as condições formais da poesia, pois usam linguagem e ritmo, mas também não são miméticos e excluem-se assim da teoria poética de Aristóteles.

Como a Poética Influenciou a Literatura

Deve-se dizer que, na época em que foi publicada, a Poética não teve muito sucesso, pois coincidiu com outra obra do filósofo: a Retórica. No entanto, ao longo dos anos, sua influência foi indiscutível e muitas das questões levantadas no texto foram debatidas: especialmente o conceito de mimese e a divisão das artes proposta por Aristóteles.

Vemos uma das primeiras influências da Poética em Horácio, o poeta que, seguindo as orientações de Aristóteles, criou sua própria Poética que também tinha uma intenção normativa, mas, nesta ocasião, não se concentrava apenas no dramático, mas em todo o setor narrativo. Horácio traz alguns conceitos interessantes como a necessidade de credibilidade na ação dos personagens e argumenta que nem sempre a intervenção divina é necessária para resolver o enredo.

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